Henri Matisse ,Harmony in Red (The Red Room),

 

Henri Matisse [French Fauvist Painter and Sculptor, 1869-1954]   Harmony in Red (The Red Room), 1908, oil on canvas, 에르미타슈, 생트페테르르부르크 The Hermitage at St. Petersburg   일상 생활에서 경험할 수 없는 상상의 세계와 같이 사물의 모습을 무늬처럼 남겨 놓은 채 나머지 실내의 공간을 붉은 색으로 채워 놓음으로써 공간이 마치 평면에 가까운 느낌을 주는 작품이다. 3차원의 실내 공간을 표현한 그림이지만, 화면에서 거리감은 보이지 않고 벽도 탁자도 의자도 모두 동일의 평면 위에 놓여 있으며, 색채도 음영이나 명암이 없이 단순한 평면으로 되어 있다. 이는 19세기적인 미술의 관점에서 본다면 혼란으로 보이겠지만, 평면적인 이론에서 말한다면 훌륭하게 통일된 명쾌한 화면이라 할 수 있다. 마티스는 1906년 알제리를 여행하면서 그곳의 천, 카펫, 태피스트리, 벽지 등에 나타난 평면적이고 연속적인 무늬에 매료되어 이를 자신의 작품 속에 종종 사용하였는데, 이 작품 역시 그러한 경향이 강하게 나타나 있다. 한편으로는 자신의 회화를 또 다른 회화 작품 속에 즐겨 등장시킨 마티스의 수법이 잘 나타난 작품이다. 붉은 벽에 걸린 그림들은 마티스 자신이 그린 《젊은 수병 Ⅱ》, 《거대한 나체》, 《호사 Ⅱ》 등으로 이들은 장식적인 무늬와 같은 역할을 하는데,  하나의 그림이 다른 그림에 의해 어떻게 새로운 의미를 지니게 되는지 보여주고자 한 작가의 의도가 잘 드러나 있다.   금붕어 The Goldfish 1912,  oil on canvas,  Pushkin Museum of Art, Moscow   Dance (II) [late 1909-summer] 1910, Oil on canvas 8' 5 5/8" x 12' 9 1/2" (260 x 391 cm) The Hermitage Museum, St. Petersburg   비밀스러운 장소에 감춰진 알려지지 않은 걸작이 과연 얼마나 될까? 1992년 5월 8일에 프랑스 정부는 앙리 마티스의 후손들이 발견한 놀라운 작품을 받아들였다. 앙리 마티스의 아들인 뉴욕의 화상 피에르 마티스가 기증한 것이다. 그는 한해 전인 1991년에 사망했다. 마티스가 말년을 보낸 니스 제지나의 아틀리에에서 보내온 여러 집기들과 별로 중요해 보이지 않는 잡동사니 물건들로 가득 찬 창고에서 마티스의 후손들은 캔버스화로 분류된 긴 두루마리를 발견했다. 그런데 이 두루마리 가운데 하나가 때가 덕지덕지 묻은 누런 포장지에 싸여 있었다. 아마도 니스 저택의 창고 안에서 오랫동안 굴러다녔던 듯했다. 이것을 펼치자 <춤>을 위한 최초의 그림이 미완성인 채 나타났다. 이 <춤>은 1931년에서 1933년 사이에 펜실바니아 주 메리온에 있는 반스 재단의 벽을 장식하기 위해 마티스가 제작한 대작이다. The Dance, 1932-33 춤을 추며 하늘을 날다 제단의 건물을 공공 건축물 전문가인 프랑스의 건축가 폴 크레에게 의뢰해서 신고전주의 양식으로 지은 걸로 보아 아마 반스는 현대식 건물을 싫어했는가 보다. 어쩌면 이런 이유로 르 코르뷔지에가 미국여행 도중 재단을 방문하려고 했을 때 거절당한 듯하다. 르 코르뷔지에가 보낸 방문요청 편지는 뜯어보지도 않은 채 '코르보 거장'이란 이름으로 되돌려 보내졌다. 반스의 건축 취향이 어찌되었든 그는 불가능해 보이는 작업을 마티스에게 맡겨 내부를 장식했다. 왜냐하면 이 작업은 세 개의 첨두형 궁륭 안에 있는 두 삼각 펜던티브로 따로 떨어진, 세 개의 천창이 난 벽면을 장식하는 까다로운 일이었다. 그림을 그려야 할 면적은 무려 52제곱미터에 달했으며, 더군다나 길쭉하게 늘어난 공간에 역광을 받는 곳이었다. 1931년 11월에 마티스는 처음으로 이곳을 둘러보고 반스에게 춤을 주제로 다뤄보겠다고 제안했다. 그가 볼 때 이 주제가 여기에 어울릴 것 같은데다 그에게는 친숙한 주제이기도 했다. 그는 이미 춤을 주제로 1909년에서 1910년 사이에 러시아의 수집가인 세르게이 이바노비츠 슈추킨을 위해 대형 작품 두 점을 그린 적이 있었다. 이 두 점 가운데 하나는 다른 한 작품을 위한 준비 작품이다(현재 뉴욕 현대미술관에 있는 <춤>은 1907년에 제작한 <삶의 기쁨>에서 화면 뒤쪽으로 보이는 원무를 다시 주제로 삼은 그림이다. <삶의 기쁨>에는 피리 연주자와 춤추는 사람들의 뒤얽힌 몸이 묘사되어 있다. 이 원무는 세상의 근원을 상기시키며, 이것은 하늘과 땅 사이의 풀이 무성한 언덕 위에서 펼쳐진다. 하지만 여기에는 가벼운 긴장감이 감돈다. 춤추는 사람들 가운데 두 명의 원이 끊어져 손을 뻗쳐서 원을 이으려고 애쓰고 있기 때문이다. The Dance, 1932-33 우연인 듯 치밀하게 1992년 미술푸 복원가들은 레지나에서 발견한 <미완의 춤>을 펼쳐서 곰팡이를 제거하고 깨끗이 닦아 다림질을 한 뒤에 캔버스에 무수하게 뚫린 작은 구멍들을 발견하고 깜짝 놀랐다. 이 구멍들은 벌레들이 솔았고 하기엔 매우 규칙적으로 뚫려 있었다. 사실은 마티스가 자른 종이를 캔버스 표면에 고정하려고 썼던 무수한 핀 자국이었다. <춤>제작을 위해 포즈를 취해주었던 두 모델 말에 따르면, 마티스는 우선 종이에 물감을 칠한 뒤에 잘라서 썼다고 한다. 종이에 칠하는 색깔 수는 제한되었다. 인물은 회색, 배경은 검은색, 그외에 파란색, 분홍색이었다. 그는 색칠한 종이들을 팔레트에 물감을 늘어놓듯이 이런저런 방식으로 배열한 다음 가위로 자른다. 그리고 필요하다고 판단하면 목탄으로 종이의 윤곽을 수정한다. 이렇게 하면 자른 종이까리의 상호 관계를 염두에 두면서, 위치를 바꾸기도 하고 다시 자르기도 하고 자신의 의도에 맞춰 주성을 수정할 수 있었다. 그런 뒤에 종이를 떼어낸고 캔버스 위에 종이와 똑같은 색조를 병치시키면서 물감을 평평하게 펴발랐다. 좀 더 정확하게 말하자면 그림의 초벌칠은 페인트공이 담당하고, 마티스는 끝마루리할 때만 손을 댔다. 이것은 마티스의 이전 방식에 비해 대단한 혁신이다. 이렇게 해서 화가는 편안하게 중요한 변화를 꾀할 수 있었을 뿐만 아니라 물감 칠하는 작업을 비인격화했다. 이 방식은 조토가 건축 장식을 제대로 하려면 "돌만큼 단단하고 무거운 어떤 것"을 만들어야 한다고 확신했던 그 단계까지 이르게 했다. 마티스는 이 작품에서 초록색을 빼버렸는데, 창문 세 개를 통해 보이는 공원에 심어진 나무들이 초록색 구실을 하리라고 생각했기 때문이었다. 재단은 공원 안에 세워져 있으며 이 창문들은 패널 벽화 바로 아래에 있다. 아키스의 의도를 살리기 위해서는 반스가 창문의 반투명 유리를 투명으로 바꾸어 주면 그런대로 어울릴 법했다. 하지만 반스는 거절했다. 또한 마티스는 창과 창 사이의 벽에 걸린 자신의 작품인 <모로코 사람들>과 피카소 의 다른 작품 한 점이 시선을 너무 끌어서 자리를 옮겨주기를 바랐다. 그러나 완고하기 짝이 없는 이 양반은 재단의 작품은 자신이 세운 전시 원칙에는 해도 세 번 나눠서 지불하기로 약조된 3만 달러를 마티스가 마지막까지 받아내는 데는 전혀 어려움이 없었다. The Dance. 1932-33. 파리의 프티팔레 미술관엣 매입했다는 이유로 <파리의 춤>으로 불리는 두 번째 작품은 결국 완성된다. 이때는 마티스가 반스 재단으로부터 벽의 측정이 잘못되었다는 소식을 통고받은 무렵이 아니었다. 이 작품은 가장 힘차면서도 가장 단순하다. 두 명씩 짝을 지은 무희 여섯 명이 공간을 가로지르고 있는데, 이들의 몸은 어느 누구도 온전히 묘사되어 있지 않다. 인물들의 몸은 엄청나게 확대되어 기념비철머 보일 정도로 거대하다. 팔과 다리에는 힘이 용솟음치고 몸은 불규칙한 대각선이 그어진 비구상의 검은색, 분홍색, 파란색의 배경 위에서 솟아오른다. 마티스는 세 작품 가운데 이 두번째 춤을 가장 '전투적인' 작품으로 여겼다. 사실 이 작품에서는 사랑의 투쟁이 기막히게 아름다운 본능처럼 느껴진다. 세 감각홍예가 천창을 수직선으로 갈라놓는데도, 등이 보이는 중앙의 인물부터 시작해서 새 천창이 통일된 조화를 이룬다. 회화는 건축보다 훨씬 강하다. 이것은 화가가 3년간 반스 재단을 위한 힘든 작업을 마친 뒤에 얻게 된 결론이다. 예순을 갓 넘은 그의 나이 탓도 있겠지만, 이 작업을 끝내고 그는 거의 기진맥진할 지경에 이르렀다. Polynesia, The Sea. 1946. 종이 작업이 고무 수채를 칠한 '종이 자르기시기'로 접어들면서 마티스의 작품은 정점에 이른다. 이 시기에 마티스는 물감으로 바로 데생을 했다. 조각가가 끌과 망치로 돌을 자르듯이 미리 대리석의 정맥을 찾아내듯이 그는 파랑, 초록, 분홍의 단색 표면 위에서 자신의 손이 움직이는 대로 따랐다. 그 결과, 수많은 걸작이 속속 탄생했다.   Woman in a Purple Coat, 1937 곡물 상인을 부모로 둔 마티스는 법학을 공부했다. 그 뒤 파리에 와서 국립 미술학교의 귀스타브 모로 문하에 들어간다. 초기에 마티스는 신인상주의에 관심을 보였다 그의 색채는 더욱 선명해지며, 1905년서 1908년까지 야수파의 우두머리로 여겨졌다. 1907년에 처음으로 조각을 제작했고 1908년부터 1917년까지 공간 표현을 위해 더욱 리듬 있는 구성과 선적인 형태, 좀더 강렬한 색채를 찾아 독일, 알제리, 모로코를 여러 번 여행한다. 1917년에 그는 남프랑스에 정착한다. 이곳에서 마티스의 미술은 더욱 장식적으로 변하며 한결 순수하고 고요해진다. 1933년에 미국 메리온의 반스 재단을 위해 <춤>을 두 점 완성한다. 말년에 고무 수채를 칠한 종이 자르기 기법으로 선과 색채가 완벽한 합일에 이른다. 1952년 고향 카토와 니스의 시미에즈에 마티스 미술관이 개관한다. Corner of Studio, 1912 STILL Life, Checked Tablecloth, 1903 NATURALEZA muerta con meseverde(Still life with green inn), 1928 INTERIOR  in Aubergines. 1911-12 The Window, 1916 THE Egyptian     Lorette Reclining Nude Seated on Blue Cushion Odalisque with Magnolias Pearly Nude Carmelina Decorative Figure on an Ornamental Ground   "Nu bleu : souvenir de Biskra"